1、精进篇1展开音乐 必须反复

崛起的卧室音乐人精静篇这节是精进篇的第一讲，展开音乐入门篇的比较务实。精进篇我会把重点放在拓宽思维以及提高认知上，**经过了一番折腾，一个小乐段大家应该都能写出来了吧。**但此时距离完整的音乐还有一段比较长的路要走。革命尚未成功，咱们继续扬帆起航。先来听一个小课班学员的作品。

事实上也有很多一个模板，一段旋律也在反复，也有很多两个模板一段的人家就没有反复。在这个点上，你听歌的数量以及对音乐的敏感程度显得尤为重要。理论只是个参考。讲到这个时候，大家可能会嘀咕，前边的理论本来很清晰，我本来已经知道该怎么去做了，你可是你后边怎么来了这么一句。那我到底该不该反复呢在又糊涂了。

我告诉大家一个点，咱们一般听的音乐 99.99% 选择反复，在这个节点上都选择反复。音乐第一段叫做主歌，也叫做 A 段。如果反复，那第一段就是A1，第二段就是a2，如果继续再反复，就是 a3a4 以此类推99.9%，这是我的一个感觉，不是一个精确数字。我想表达的意思就是基本上所有的歌在这个节点上都选择了反复一遍，但他们并不是全都基于刻画这一段而做出的选择。

**前面咱们也说过了，主流音乐最多不超过四段旋律，如果不反复，一股脑子往下唱，一分钟就把这几段旋律就唱完了，一般音乐三五分钟。你剩下的那些时间怎么安排，不就没得可写了*那你肯定会说，那我就写新的旋律，多写旋律就会遇到和刚才一样的问题。像这个二模板记不住音乐模板的多少反复与不反复。不是我老王今天拍桌子，定了四个就是四个，这是经过了多少古圣先贤大量的实践之后得出的结论。一般不会以个人的意志为转移。

**那咱们在这个节点上到底是该反复还是不反复呢须反复。因为展开音乐靠的就是反复，把一段音乐展开变成一个完整的音乐，就得靠反复。反复是最常用且不得不用的方式。**未来课程结束了，你自己的作品是反复还是不反复自己决定。但是此时咱们就先做一个反复的第二段，这就是今天的任务。

2、精进篇2继续延展音乐 歌曲的和弦框架弹一遍，当前奏升个调

喽各位朋友，精进篇第十二讲，咱们来聊一聊前奏。**上节课咱们已经把一个完整的 AB 段写完了，一般的二段式歌曲就是前奏接 A 段接 B 段，然后再接一个间奏，反复 A 段， B 段接一个尾奏结束。**当屏幕面前的小朋友们，你们写完了一个 AB 段旋律之后，一首歌其实就完成 80% 了，剩下的这 20% 都是细枝末节。在这些细枝末节里，前奏、间奏、尾奏占的比重又最大。这节课咱们就来讲讲这些东西该怎么去做。**首先，前奏往往篇幅都是比较短的，不管它有多长有多短，哪怕它只有一个小节，这个前奏也是自成一段。**就按照咱们之前写的那个旋律的段落格式， A 一段， a2 段 B1 段。 B2 段一共分了四段，也就是四个能量密度的对比。前奏写在 A 一段前边，加起来其实一共就是五段。不管这个前奏多么的短小，它也是单独的一段。在写法上其实与 AB 段并没有任何的不同。和弦还是和弦，旋律还是旋律，只要能写出 AB 段再写个前奏，不在话下，其实没什么难度。写法是一样的，但是不同的段落作用是不同的。

AB 段是整个音乐的主体部分，最重要的核心内容就是它前奏却不是核心内容。这些前奏了肩奏了，尾奏了首先不是必须有的。有很多的歌人家上来就没唱前奏，也有没有间奏的，没有尾奏的都很多，相信大家也都听过。为什么有的音乐就有前奏，有的就没有。当然不是，作者想写就写，不想写就不写。前奏的最大的作用就是引出主题部分。因为之前咱们讲过传达情绪得慢慢来，不可能咵一下情绪就传达到位了。就好像我要去求一个领导办事，去到他家，哐哐敲开他家房门，总不能一进门就讲主题吧。一个正常的人不可能做出这样的事情来，都是进门之后坐下来相互寒暄一番，酒过三巡，菜过五味或者茶过三盏之后，然后再慢慢进入主题。我小的时候就觉得这一套人情世故是特别糟粕的东西。可换一个角度讲，如果没有这一番寒暄，一进门直截了当说事一分钟说完咵关门走人，这完全就不是人和人交往，这是机器和机器对接呀，没有任何的人情味。这一番寒暄其实就是情绪升温的过程。懂的人自然知道主题要在哪个时间段开始讲。

人情事故离不开一个情字，情就是一种情绪。音乐同理上来就讲 AB 段，上来就唱 AB 段主题，听众的情绪不可能那么快就跟得上，情绪没到位的时候不会有共鸣。没有共鸣的音符就单纯的就是几个音符，人不可能为了几个音符而潸然泪下。我不可能听到一个抖瑞咪的旋律，哇，我哭得一塌糊涂。
**前奏存在于音乐里的最大的作用就是引出主题，就相当于人情世故里的这一番寒暄。人事感情动物得先把这个气氛烘托出来，然后你再在讲事情，讲主题，这样去说服别人，去感染别人才更有效。**前奏你别看它篇幅短，仿佛不是很重要的存在。有句行话叫做凤头雀尾。凤头就是凤凰的脑袋，凤凰脑袋吗亮一个音乐的开头，这个点必须得漂亮。道理很简单，听众前 20 秒钟就切割 next 了，那你后边写再好也没有用了。雀尾就是孔雀的尾巴尾。一段音乐几分钟，听众在听第一遍的时候不可能完全记住，只能留下一个大概的印象，记忆最清晰的就是最后听的这一点。

前奏篇幅短，是因为引出只要起到这个引出的作用就好了。如果求别人办事，一直不说正事，一味的就寒暄。呦就是脸皮薄开不了这个口，这会适得其反的。所以前奏的篇幅往往不长，就是这个原因。前奏引出主题。那怎么去引出呢照能量密度的角度去讲， A 一段 a2 段 B1 段， B2 段是一个能量密度递增的一个过程。前奏在 A 一段前边，那理论上前边这个前奏得能量密度更低一点，才能够引出 A 一段引出主题。我记得在我初学吉他的时候很喜欢弹唱，

在女生面前就显摆，感觉不弹前奏显得有点太 low 想弹个前奏，那个时候又不会弹。然后老师就教我不会弹前奏，就把这个歌曲的和弦框架弹一遍，当前奏就可以了。我试了一下，完全可行。大家知道是什么原因吗其实就可以算得上是一个合格的前奏了。因为前奏能量密度得低，主歌再怎么着也肯定要有主旋律，肯定也会有和弦，最起码有这两个维度的东西。那前奏如果直接没有了主旋律，只剩下了和弦，那这能量密度必然就低了。那这个能量密度这个角度又吻合了引出的这个感觉了。可是能量密度低，为什么要把主旋律去掉，而不是把和弦去掉为谈和弦的这个节奏型叫做主节奏型。

咱们之前讲过了，**主节奏型对于一首歌的情绪起最主要的主导作用，只留下旋律，那就没情绪了。既然是要引出情绪，这个旋律与情绪的关联不是很大。所以一般情况下就是把旋律去掉，只留下和弦的这个主节奏型。**主节奏型等同于情绪而不是旋律。

所以大家一般听到的前奏旋律未必是那种完整的流畅的，但情绪一定是很到位，完全能够通过一个前奏去判断这首歌的情绪指向年轻人，通常不喜欢京剧，不喜欢各种地方剧种，五秒钟不到就直接切割前五秒。其实就是个前奏，听到这种前奏就不又往后去听了，再听也还是情绪这个味道不会有偏差。前奏不是主题，所以内容不重要。前奏就是一个情绪的指路牌，这首歌前奏合不合你胃口，是不是你的菜，你就完全可以通过前奏知晓了。好，有一笔前奏就被你切掉的那些歌，就如同你第一眼就看不上的人，极难改变。

像这个曲子前奏就是只有主节奏型和弦框架。所以前边这个节奏型营造出来的这种情绪完全就等同于这首歌的情绪。不会说因为后边旋律有了这个情绪就改变了这个情绪。往往一时首歌一个主题小篇幅的音乐只有一个情绪指向，这个东西一般不会有偏差，有偏差就引不出这个主题了。比如说明是个很悲伤的歌，结果前奏一通架子鼓嘣，乱七八糟的一通律动，这就不可能把情绪再引导在那个很悲伤的那个基调上去了。有很多发行级别的歌，它的前奏就只有和弦，有没有旋律不重要，有没有引出这个情绪才重要。那既然这样，为什么绝大多数的前奏还是要写旋律呢为如果只有和弦这一个维度稍微有点单薄了。**旋律就是线条，旋律的这个声波就如同水波，是这种潺潺的这种线条，它就像一串项链的一个绳子一样。如果没有这个绳子，那么这个项链的这些珠子就散落一地了，就不是一个整体了。所以旋律还起到一个作用，就是让音乐更加紧凑地连接起来，成为一个有序的整体。**光和弦不是不可以，只是这个整体感就会很散，除非你非要这种很散的感觉。一般情况下前奏也是有旋律的。那就比如说现在这个如果我要写个前奏的旋律该怎么写呢们先来听一下，找找感觉。

为什么要升高这个八度其实这是一个声明，再不懂音乐的人其实也能够分得清。前奏和主歌大家都没学过，可是好像天生大家都能够分得清什么是主歌。什么是前奏奏不唱嘛歌是有歌词的，是要唱的歌曲的主题题 AB 段人去唱，这就是一个声明。往前奏间奏、尾奏不唱，用其他乐器去演奏，用其他乐器与人声形成一个对比。天然的当前奏用这件乐器去演奏的时候，即意味着间奏也要用这件乐器。这就是一个声明。当间奏结束，人声再度开唱，那即意味着后边又开始了这个主题的 AB 段，这就叫做音色声明。演奏主歌的这件乐器往往只演奏 AB 段，也就是主题段。如果第一句旋律，你用一键乐器第二句又一件，第三句又一件，往后 80 多句 80 多件乐器。那你就想这个音乐得乱成什么样子歌一件乐器，当然也有可能是两件三件或者 4 件 5 件，不管是多少件，它一定是固定的，就声明过了。这几件乐器它就演奏主歌间奏、前奏、尾奏，不是同理，这些乐器也是固定的，这是最常见的一种方式。也有人会说那老师不对，像什么钢琴曲了，吉他曲了，人家就只有一件乐器，那人家也有前奏啥的，咋声明，这不就没法用音社声明了的，这里可以用一个阴区声明，这里我就把这个旋律提高了一个八度。

3、精进篇3能量密度 从节奏角度

精进篇第十三讲编曲的核心思维。上节课讲过了，前奏间奏尾奏就不继续去讲了，因为本质上是一样的东西，都是过渡段起过渡的作用。就像前奏是从无到有的一个过渡，而间奏是承上启下也是过渡尾奏是从有到无的淡出还是过渡要音色声明到位了，音区声明到位了，能量密度也做到位了，那就 OK 了。

间奏前奏尾奏并无任何本质上的区别。**前奏尖奏尾奏写好了，咱们 AB 段也写好了，按照一般的二段式音乐，前奏加 AB 段加间奏，再反复 AB 段接尾奏，完整音乐的雏形也就做出来了。**注意是雏形行话叫小样，接下来才开始真正的进入编曲部分了，才开始彰显音乐制作人编曲的功历是水平了，前边那些其实都是基础。接下来咱们慢慢地去叩开编曲的大门。

编曲可以有四种打开方式，换一种说法，可以从四个角度入手去做编曲，从而让整个音乐变得更丰满、更立体。

第一和声、
第二旋律、
第三节奏、
第四音区

，这四种打开编曲的方式排名不分先后。这节课咱们先说其中之一。先用节奏来打开编曲。我平常刷编曲类的视频居多，所以经常给我推这一类的视频。什么隔壁装修用我用这些叮叮当当的声音写了首歌外边搞基建，我又用这些乒铃乓啷的声音也做了个曲，经常能刷到。在不懂音乐的人看来，哇好厉害，这些音声音还能编曲。如果一个要搞编曲的人也对这种东西乐此不疲，就证明你根本不懂音乐，完全不懂编曲，还处在一个外行看热闹的阶段，就是任何物体震动都能发出声音嘛，只是中学物理学过的。
在入门篇讲音乐构造的时候，咱们说过**构成音乐的所有的演元素都是在演奏模板，模板就是节奏旋律模板抛开音高就是一个节奏，比如小星星哆哆嗦嗦啦啦嗦，抛开音高就是大大的这样的一个节奏。后边发发咪咪 rre 抖还是这个节奏一直反复*还有那些和弦啦、base 、架子鼓等等了。所有的构成音乐的元素，**任何乐器演奏的其实都是节奏。**如果你学到这个时候，你连这一点都没有理解到的话，那就不用往下去看了，没有意义了，先琢磨去，啥时候理解了说的这句所有的乐器实质上都是在谈节奏，再继续往下学。

**讲节奏的时候，咱们说过有规律的就是节奏，难道只有乐器才能弹节奏吗然不是，我砸石头哐哐砸石头也可以砸得很，有规律也是可以有节奏的。那这不就清楚了吗有的声音都可以打节奏，那也就是所有的声音都可以参与到音乐当中来。**大家可能觉得理是这么个理，说起来容易，做起来其实也非常之简单，有规律的就能称之为节奏。而规律的先决条件就是得反复不止一次地出现过，才能形成规律。最常见的拍号是四拍以四分音符为一拍，每小节有四拍，咱们可以以一个数学的角度去诠释一下这个四拍一加 1 等于四，每个一都代表一个四分音符，也就是一拍加起来刚好是四拍，不管一个小节里边有多少音符，总之加起来刚好等于四拍就对了。八个八分音符加起来其实也等于四八分音符占半拍。那半拍其实就是零点五零点五就是半拍，半拍就是八分音符，八个八分音符刚好也是一小节四拍。同理 16 个十六分音符，也就是 16 个 0.25 加起来也等于4。

**注意关键的概念来了，任何加起来等于 4 的等式都是一个四拍的节奏。**比如这个 1 加 1 加 1 加一四个 1 相加等于4，它就是 1234 反复 224 就这样的一个节奏。那八个 0.5 相加就是哒哒哒哒哒哒哒。像后边这个 0.5 加两个 0.25 大的的大的的大的的大的大。那再比如 16 个 0.25 相加，这就是哒哒哒哒哒的大。**本质上任何的加起来等于 4 的等式都等于一个节奏型。**注意，可以摁一个暂停，自己先把这句话理解了，这是一个非常重要的概念。咱们可以把这几个等式，也就是这几个节奏赋予任何的声音去演奏。比如说就最后的这个 16 个 0.25 相加，那也就是 16 个十六分音符。哒哒哒哒哒把这个节奏用什么声音去演奏呢用。口罩的声音就是呲把这个声音录好之后拖到步镜器里边。就把口罩的这个声音加载好了，咱们听听。就是呲呲呲这样的一个声音。那 OK 16 个十六分音符。

不管你未来要往你的音乐里边加什么乐器或者加什么稀奇古怪的声音，都不要意外，都不过就是一个加起来等于 4 的等式而已。**物体震动发出声音吗用什么声音演奏这个加起来等于 4 的等式不行吗*这就是节奏角度，编曲的底层逻辑。因为这几个声音口燥了，这几个瓶子了，矿泉水了，捶胸口了，这都是噪音，所以去演奏旋律，演奏和弦不太合适，所以我就把它当打击乐用了当架子鼓。

每天都有各种各样的留言说老王，我不会钢琴能编曲吗王，我不会吉他能编曲吗会，这不会，那总之都有吧。如果真要把世界上所有的乐器都学会了之后才能编曲，那这个世界上就没人搞别人取了，不可能都学得会，**不会啥都没关系，一件乐器不会也没关系，关键是要懂其中的，越理越理。这节课如果你真的听懂了，那最低限度最低限度对架子鼓的认知比一般人要高。**你别看他学了五年，学了十年，都是在那埋头瞎干而已。你以为他两只脚在那踩踩什么呀以为他两只手忙里忙活的忙里忙外的在那打了一通什么玩意，通通都是加起来等于 4 的一道小学生数学题就是如此而已。

从精进篇开始，咱们首先提出编曲不是往后边写音乐，而是往后时写音乐。想往后时写就必须得有乐思叠加到音乐里。可是初学者对于乐思的把控度不高，是我也知道要往里边叠加乐器，可是我就不知道该写什么。**这节课之后，你就可以试着从节奏的这个角度入手写一点乐思了。注意一个非常重要的点，乐思一定要独立，就是得用不同的等式。**如果好几件乐器演奏的都是同一个等式，就是混子编曲。咱们先来听一个混的。从表面上看有三件乐器，钢琴 base 架子鼓，但其实他们演奏的就是同一个等式，这个钢琴先看等等，那这个等式就是 1234 这样的一个等式，那再看 base 还是1234，再看架子鼓，结果还是 1234 动词大词，这就是混子编曲，这就是雷同乐思。
虽然用了三天乐器，可是感觉这个音乐特别的不精致，光乐器的数量多是没有用的，就是把天底下所有的乐器都加到你的音乐当中。那你没有新的节奏，就那一个节奏，音乐完全不会因为乐器数量多而变得丰满。四个打开编曲的方向。这节课咱们简单地说了一下，节奏这个角度往深了讲东西还有非常非常多，而且这也只是打开编曲的其中一个角度而已，**还有三个，和声旋律和音区，这些通通都放到飞声篇慢慢讲。**飞身片 30 块钱一节，需要的朋友私聊我就可以。还有我的零基础作曲编曲小课班 30 个课时 2000 块钱，想报名的朋友也可以私聊，然后咱们再详谈。 OK 这节课就到这里。下节课不见不散，拜拜。

1+0.5+0.5+1+1 = 4
0.5+0.5+1+0.5+0.5+1=4

4、精进篇4节奏的概念

随着咱们这个教程一节一节往后讲，大家对音乐的认知也在慢慢清晰。那现在编曲的重中之重来了，大家集中注意力，不懂编曲的人就会以为啊写音乐嘛，就和写作文一样，一句往后后显看这个作品它其实就是停在这一直反复而已。哪有往后写有往后写，而是往后写。厚是薄厚的厚厚实的厚。第一段只有一个音轨，那第二段叠加进来了一个音轨，第三段又叠加进来了一个音轨。那这不就是越来越厚实，越来越丰满了吗实并没有往后边写，而是往后驶了写。可能有人会说，那迟早总得写点新旋律，总不能通篇就这一段。对不起，你又错了，可以写也可以不写。这是小课班一个零基础学员的作品，这些素材是他当初学习的时候就写好了的。 20 天左右，他完成了这个最终的版本。咱们先来听一下他最终的这个完整的版本是什么样的。

虽然整体观感还是很稚嫩，但颜是个完整音乐了。如果我不告诉你通篇其实一直都在反复那一段，你自己是否能够感受得到不是又给表象迷惑了为他花里胡哨写了很多旋律呢，这个作品就并没有往后边写，而是往后时往丰满了写。想往丰满写，就得在纵向放上构建音乐的肢体。肢体就是咱们之前画的这个图，**比如第一轨主旋律，这就是一个乐思第二轨和弦，再谈个什么节奏型，这又是一轨乐思纵向上叠加。比如说再搞个架子鼓，架子鼓打个什么样的节奏 base 再谈点什么，或者再有其他乐器这样往后使了写，**这就是纵向上的叠加。就是所谓咱们今天提出来的这个厚实的感觉。乐思就是比如我叠加了架子鼓打个什么样的节奏，这就是乐思加个吉他，那吉他谈点什么等等。

叠加进来的这些乐器所演奏的内容，就是乐思初学者在这一阶段遇到的问题都大同小异。比如老师我想加个古筝，我想加个琵琶二胡之类的。可是我没有音色，以为没有粤丝，就是电脑里边没有音色造成的。那现在这样，假设你电脑里有了全世界所有乐器的音色，那你就思如全涌了吗思就是我把全世界的乐器都买回家，我天然就会了这些乐器了呗，说出来很可笑，但却是初学者在这一阶段普遍的想法误区。

其实用什么乐器弹不重要，谈什么才重要。比如我想到了一个很美的旋律，其实不管用什么乐器都可以弹得很美，脑子空空就是给你个古筝，给你个琵琶，他现在上来你让他弹什么以大家要明白一点，你首先缺的是越思没有思路与想法，搞个音色还不容易吗在网络上啥音色下载不到对吧要自欺欺人，说我没有音色，你是缺这搞清楚。那这个乐思从哪里来来听一个学员的作品。

节奏之所以能被称之为节奏，首要的就是规律性。想找到规律，先决条件得出现很多次，最起码也得是两次。太阳就是最有节奏的。每天，东升西落，想观察太阳的轨迹，得起码不止一次地见过这个东升西落。如果只见过一次，那就算它是有节奏的，咱们也察觉不到，因为没有参照，没有对比，没得对比，我怎么知道它是有规律还是没规律呢乐里的节奏也是同理形成节奏靠的是反复，反复了才能够让人感受到规律性。人受不了没有节奏的生活，更适应不了没有节奏的音乐。所以音乐什么嘶嘶自拍、四三、八六拍啦等的这个拍号就是一种规律，没有固定的拍子，整个音乐就会乱掉，这就是底层逻辑。不管多么庞大的音乐肢体，它里边所有的个体都是有规律的。正如咱们生活的这个世界上没有无序排列的东西，只是有些规律咱们还没有发现而已。你以为音乐是自由的，不受约束地在表达着情绪，底层却是特别有规律有规则的一套节奏系统。所有组成音乐的乐器，不管他演奏的是什么，抛开音色和音高，这些表象底层都是节奏，比如小星星哆哆嗦嗦啦啦嗦，抛开音高，就是一个大大的节奏。因为节奏需要对比，出现一次不能形成节奏，所以后边发发咪咪歪道，大大。那么这个节奏就成立了旋律韵式节奏、和弦式节奏、架子鼓式节奏、base式节奏。所有一切全部都是节奏。

我裂开自己做的音乐，节奏真奇葩

5、节奏的应用

1、有规律，还得有对比

这样这个节奏就立体得多了。这个动词大词两趴，反复一次，一直反复下去，就构成节奏型，**节奏得有规律，还得有对比。**因为现在有三种声音的一个对比，这个节奏呢会显得更加灵活，节拍就比较死板当。咱们写音乐最怕的就是写节奏，写成了节拍生硬且机械化。这个作品咱目前听着还过得去，但是和发行级别的音乐差距还是蛮大大的。当下最需要解决的问题其实就是节奏型太过机械化的问题。和弦是这个作品最死板的地方，咱们来看一看和弦的这个节奏型。

**如果抛开旋律，咱们把旋律删了看和弦，和弦就是两拍一个帮帮，这其实活生生就是一个秒针两拍一下帮帮。帮帮没有对比。****==和弦的节奏型叫做主节奏型，是整个音乐里边那么多节奏中最主要的一个节奏。==先把结论提出来。主节奏型对于一首歌的情绪起决定性作用。一首歌是欢快的还是悲伤的个月大肢体里边这么多的组成部分，谁说了算呢有组节奏型说了才算，他说悲伤就悲伤，他说欢快就欢快。

音乐就怕没情绪，主节奏型都没情绪了，那就意味着最需要扛大梁的大哥倒下了，剩下那群小弟弟就是写得再好，做得再棒，也弥补不了情绪的不足。这是综合观感里边最大的一个问题。人的情绪分好多种，不是每一个情绪都对应有一个节奏型，音乐不是数学对号入座套公式就可以得出正确答案。这个思维要不得。

注释和弦，那顾名思义就是和弦的构成音一起弹响，半注式就是融合，把分解和弦与注释和弦做了一个融合，有分别谈想的也有一起弹响的。比如来做一个半柱式，第一个还是 F 和弦，第一下我就只弹一个发而第二下咱们把这个要发拉同时弹那这样的一个和弦的节奏型，这就是一个半注式。如果注释就是把这几个框一起弹响，再用半注式节奏。我又写了一段，咱们再来听这个感觉

半柱式，不全一块弹欢快的暖色调

这个董大大董大。这个节奏就是 Luna 如果把全世界所有的节奏做个排名，Luna如果说第二，估计没有人敢说第一，因为它的应用实在是太广泛了。如果没有伦版，那拉丁舞、交易舞甚至广场舞，90%的歌都没了。可能年轻的小朋友会认为这都 2021 年了，流行歌哪还用这么老掉牙的东西。节奏其实是底层逻辑，你是被那些最不重要的花里胡哨的那一些外表给迷惑了而已。

其实这就是轮，每个节奏每个风格都有一个很基本的节奏型。我写的这个就是 Luna 的基本节奏型，也可以理解成原型，这个原型是可以变化出无数种样子的，但都是基于这个原原型懂他的懂大这个感觉而产生的。**那怎么个变化法呢总结了四个字，加减。拖拽，**我先用加减拖拽里边的拖拽，这是董大大。董大。那我把他往前拖一拍，本来是懂哒懂哒，最后我改成了懂哒，懂哒感觉差不多，这就是一种变化形式啊这是拖拽。然后加减比如说先把它放回到原型，我在后边第四排的后半盘，给它加一个董哒哒，董大现在成了董哒哒董哒哒这是一个变化形式，这就是加然后减。

拖拽

OK 全部都写完了。然后咱们把变化型删了，不需要它了。为什么为变化出的那一点不同已经被写成一鬼了。咱们先来听听整体的观感。
多加了这一鬼，吉他音乐变得丰满起来了，至少比没有吉他之前要丰满很多。编曲要做的事情不就是丰满整个音乐之体吗原型组节奏里边变化出来的这些东西就可以利用起来，当成丰满音乐的独立乐思。这个乐器它是吉特也好，或者是琵琶二胡唢呐，钢琴是什么都无所谓的，关键是这个节奏，因为这个节奏是从原型里边延伸出来的。那这样做就像写作文一样，最低限度不会跑题，肯定音还是在刻画抡这种感觉的。

多加了这一鬼，吉他音乐变得丰满起来了，至少比没有吉他之前要丰满很多。编曲要做的事情不就是丰满整个音乐之体吗原型组节奏里边变化出来的这些东西就可以利用起来，当成丰满音乐的独立乐思。这个乐器它是吉特也好，或者是琵琶二胡唢呐，钢琴是什么都无所谓的，关键是这个节奏，因为这个节奏是从原型里边延伸出来的。那这样做就像写作文一样，最低限度不会跑题，肯定音还是在刻画抡这种感觉的。

独立乐思当然也可以自己去构思，自己去想新的节奏，写什么都行，但是很容易跑题的，没有任何依据，产生出来的节奏未必能和 lunba 的这个主节奏型相吻合，有可能都会很矛盾。**用咱们当前这个方法产生出来的乐思有个好处，要是所有的乐器有劲能往一块使这个音乐暖色调欢快的感觉，这个思路就相当于进一步地去描写这份欢快变化，**当然可以有无数种变化，这个东西没有上限的，只要你想做，永远还可以再做。那我再在这个基本节奏型上再做一点变化，它刚才的变化都在上边，我变在这个时值长的下边，我在这加一个，然后把这个音符挪到后边，在后边再加一个，咱们只听这个主节就行，可以把上边这个删了，只听下边这点变化这样的一个变化。 OK 那还是和刚才用的方法一样，再找一件乐器，把下边的这一点变化也写上去，用个什么呢ase。找到这个吉他吉他上面，这不是 BA SS 吗就是 base 拖进来。 base 这个乐器咱们知道它是演奏低频的，所以写到这里这个阴区太高了，所以我把它降低一个八度写到这，咱们先把它写上来。发发控多控发。刚才已经说过了，乐器无所谓，音高都无所谓。那我就不写这个发发控都控发，我写发抖控发控拉。当然法拉刀这个一定是和谐的。

8、模进与变化模进

喽各位朋友。精进篇第八讲，魔镜与变化魔镜咱们从音乐的延展讲到了节奏型，把音乐往后边写的概念逐渐过渡成了往后式写。编曲其实说到根本上就是往音乐里边叠加许许多多的乐思，从而让音乐变得更加丰满。编曲其实就只做这一件事情而已。那如何看一首歌是编得好还是不好呢看这首歌里边有多少让你眼前一亮的乐思。

说起来很简单，但做起来相当不容易，初学者在这一阶段一定是乐思非常有限的。**知道了自己的音乐单薄，想叠加些什么东西，但就是不知道该往里边写什么。**比如详解写个架子鼓，可是这个架子鼓该打什么会，写不出来想写个 base 呦这个 base 怎么弹，想写个吉他。怎么写，不要懊恼，不要抓狂，这都好正常。慢慢去讲，先耐心地花几分钟听一个学员的作品。作为听众，你会给他这个作品打几分呢/p>

真敢写，写了 5 分钟，只要不是在做教程，这个音乐我最多听 30 秒就直接切割了。一开始感觉还行，越往后听越没意思。这就是咱们之前讲过的一个大熊猫吃竹子的那个画面的理论，**这个画面里边就没有任何的东西填充进来，一直就是旋律当啷当当啷当当当啷当。**其实不管这个旋律当啷当的是啥，哪怕这里边有世界上最好听的旋律，它也发挥不出应该有的作用。编曲就是往这个音乐里边添加独立乐思，这个音乐一点都没有。**初学者在这一阶段往往比较主观，他觉得自己这个音乐就好听得不得了。但其实作为听众，咱们连坚持听完都很困难。**学习的过程就是慢慢的划主观为客观的一个过程。**音乐往后延展一定要伴随着能量密度的递增，也一定要去刻画。**咱们就通过这两个点来引出今天的内容，也用这两个点来解决一下他这个作品的不足。首先能量密度的变化不是想变化在哪就变化在哪，能量密度一定要以段落为节点进行变化的，也就是说一段一个能量密度，咱们首先来找一下他这个作品的段落节点在哪

到这里，虽然他有几个和弦写错了，不过无所谓。这回咱们就找到了他的一个段落。 OK 咱们就拿这个段落来往后延展一下，我把他这一段旋律反复了两遍。**反复是刻画的唯一手段，之前讲过了，可是反复就一定会伴随着听觉疲劳。所以要叠加一些独立乐思去提升能量密度。**咱们一边听一边去构思一下第二段可以叠加一个什么样的独立乐思。

诶开始进入第二段。哒哒噔噔噔噔诶我现在想到了一个节奏，就是大的空大噔噔诶想到把这个节奏叠加到第二段里边，花了一点时间，我把这个乐思呢写上来了。啊这个大的大空大，咱们先听一听。大的控大啊。当然可能大家会感兴趣。那老师你这个写的是什么是这个小节是 C 和弦，那我写的就是 doso do 后边是 dome so 那第二小节 G 和弦 so 瑞搜搜西瑞，**关键是这个节奏型。至于写什么不重要，我这里不抖搜都我写个抖咪搜，这也一样的对吧。像后边我不写抖密搜，我写个抖搜都这也可以，关键是这个节奏，而不是这几个音符，**这几个音符全部都是与当前和弦有关的，那这样去写肯定是和谐的，不为错的。 OK 那么咱们再叠加上这个乐思，来听一下这个综合观感。

这里，大家不要被这些外在的表象迷惑了，就说这个声音好好听，**不是这个声。声音好听是因为这个东西它解决了能量密度，在这个点上你用什么去解决能量密度，就会显得那件乐器好听，其实它用钢琴演奏都是一样的。**我现在把这三鬼乐思全部都换成钢琴。对吧，不用钢琴也可以，这个音色随便变。

这都是一样的，**关键是节奏，乐思这个思路而不是这个音色。**如果你感觉光这一个乐思不足以推进音乐，那可以再叠加一个乐器。在第二段的时候，我又叠加了一个弦乐，咱们来听一下整体感。

音符的数量慢慢变多，也会有推进的感觉，起到的作用其实和把音区写高是一模一样的，都可以让音乐更加有代入感，更加有往后的推动力。

**第一个，肉眼可见的区别，主歌的阴域阴区比较窄，而副歌的阴域阴区比较宽。**那为什么阴区窄的就是主歌宽的就是副歌呢音的声波和水波都是这种潺潺的感觉。波形就是这种的主歌往往都是一个平缓的感觉。平缓即意味着这个波形上下不可能浮动太大。就是这个波形如果在一个比较窄的一个区域里边活动，那么这个波形上下就走不了很高或者很低，这就是一个平缓的感觉。如果是上下浮动很大，那则势必这个阴区会比较宽，这样这个波它才能抖动得起来。刚才讲过主歌要的就是这种平缓的感觉，平缓的水流上下浮动肯定小，那平缓的旋律也是同理浮动小，主歌的阴区不可能宽得了。所以主歌的阴区就是窄的，副歌往往都要比较强的冲击力，那平缓的肯定是不行。

副歌是整首歌情绪最高的一段，叫做最强观感。

咱们现在只写了一条副歌的旋律，下节课继续接着做，因为光靠一条旋律线不足以撑得起这个最强观感。

11、最轻观感下

什么是节奏型/h2>

**只要一说到编曲，一说到能量密度，没有其他选择项，就是往这个音乐里边去叠加独立乐思做编曲，搞独立乐思出发点永远都是主躯干，也就是要先从这个主节奏型下手。这个节奏型是阿贝尔 T 是一个很抒情的节奏型，很明显的就是那种慢板冷色调的情绪指向。**这个节奏并不是阿贝尔 T 的基础节奏型是它变化过的。基础的阿贝尔 T 型就是这个样子的，把后边这一下删了，他就是用了变化当中的加法。咱们对这个节奏型其实是比较熟悉的，经常见到钢琴弹这个节奏行吗懂懂这样的一个感觉，它这个变化呢就是在后边咚咚咚诶后边加了两个音，去掉了这两个，那这个就变成了一个基础的一个节奏型。**这里有一个编曲非常非常重要的点，大家注意听一下。如果你写的这一段音乐打算用的乐器数量不多，比如说就是一两件两三件乐器，那每件乐器也就是每个乐思就都得尽量的演奏得花哨一点，变化多一点。因为整个庞大的音乐肢体只能靠这两三件乐器去撑。场面好比舞台很大，但是人很少，这个时候就要求每一个人气得多一点，不然压不住这个台，就会感觉这个画面太空旷了。**如果你打算编曲做的乐器很多，那每一轨的乐思就得尽量戏少一点。所谓的戏少戏多就是变化多与少。如果乐器很多，那么每一个乐器每一个乐思的变化都要少一点。好比舞台上有很多人，五六十号人，如果每一个人都是戏精，那完了这个舞台就太混乱了。那观众到底看谁/p>

**很明显的能够感受到，因为即刻的叠加进来，就有了一种能量密度提升的那种上台阶的那感觉。咱们之前画过的那个图，这种感觉就是编曲的核心推动力。**假如说 a2 段与 A1 段没有能量密度的对比，那其实旋律还是一样的，旋律不受影响，整个这个音乐的观感就会有天差地别的变化，这就是编曲在音乐里边起到的最大的作用。这就是编曲的核心推进力。靠能量密度递增推动音乐往后运行。咱们的课程都讲到这里了，如果你对我讲的这个能量密度没有一点感觉，没有一点领悟，就别往后学了就没意义了。啥时候体会到了这个能量密度递增，推进音乐往后进运行，然后再继续学加了一个吉他，我感觉还是不太够。还想让这个 A 二段能量密度再高一点，就推进性更强一点。这其实很简单，再往里边叠加乐思。只要是不违和具体叠加多少件乐器是没有规定的。

很多的细节我都没有去细讲。比如说每一个月思我都是怎么想出来的，这些当然都是有理论可依的，并不是完全靠凭空去想象得出来的。写主旋律作曲比较吃灵感今天没有灵感，那就是一个音符也写不出来，你坐到电脑跟前也没有用。但是编曲不一样，编曲的这些乐思多数靠的都是方法，靠积累靠经验。当然编曲也需要那么一点灵感，但相比之下没有作曲那么的依靠灵感，具体的编曲的方法以及独立乐思从何而来是一个非常庞大的知识体，放到飞身篇和渡劫篇去讲。

12、前奏 好像重复了呀

然后老师就教我不会弹前奏，就把这个歌曲的和弦框架弹一遍，当前奏就可以了。我试了一下，完全可行。
大家知道是什么原因吗其实就可以算得上是一个合格的前奏了。因为前奏能量密度得低，主歌再怎么着也肯定要有主旋律，肯定也会有和弦，最起码有这两个维度的东西。那前奏如果直接没有了主旋律，只剩下了和弦，那这能量密度必然就低了。那这个能量密度这个角度又吻合了引出的这个感觉了。可是能量密度低，为什么要把主旋律去掉，而不是把和弦去掉为谈和弦的这个节奏型叫做主节奏型。

咱们之前讲过了，主节奏型对于一首歌的情绪起最主要的主导作用，只留下旋律，那就没情绪了。既然是要引出情绪，这个旋律与情绪的关联不是很大。所以一般情况下就是把旋律去掉，只留下和弦的这个主节奏型。主节奏型等同于情绪而不是旋律。所以大家一般听到的前奏旋律未必是那种完整的流畅的，但情绪一定是很到位，完全能够通过一个前奏去判断这首歌的情绪指向年轻人，通常不喜欢京剧，不喜欢各种地方剧种，五秒钟不到就直接切割前五秒。其实就是个前奏，听到这种前奏就不又往后去听了，再听也还是情绪这个味道不会有偏差。前奏不是主题，所以内容不重要。前奏就是一个情绪的指路牌，这首歌前奏合不合你胃口，是不是你的菜，你就完全可以通过前奏知晓了。好，有一笔前奏就被你切掉的那些歌，就如同你第一眼就看不上的人，极难改变。

怎么简化呢是留下那些比较主要的音符，删去那些装饰音和经过音，那哪些是比较重要的呢然起始因和言柳英这两个肯定是很重要的。这第一个这是一个起始音，前面这两个装饰音去掉，然后这个多这是中间的经过音，这些都可以算是经过音后边这个拉说老师为什么你给我把这两个又留下呢刚才写的旋律其实就这个不是说只留这个最主要的吗为除此之外，一个小节四拍的咱们都知道一三拍是重拍，重拍上的音往往也比较重要。

小课班结束，我只能保证一点，你可以看懂门道了，只要你想写，绝对可以写得出来，绝对可以写得完整，绝对可以写得似模似样，达到什么档次。拜托，不要再逼我忽悠你了。 OK 就到这里。

13、编曲的核心思维重复

14、慢歌怎么编

崛起读过是音乐人精静篇第十四讲慢歌怎么编喽各位朋友，我是老王，实在对不住各位，一拖更就是两个月必须得来几节硬核的内容，不然都对不起各位没有取消关注的看官老爷们，闲话后边再续。咱们进入主题。上一节内容提出一个概念，可以从四个角度入手进行编曲。上节课也讲了其中一个角度，就是节奏总结起来很简单，就是一个加起来等于 4 的等式。这节课接着继续再讲旋律，这个角度稍有那么一丢丢的难度。音乐从感觉上可以分成两大类，一种就是抒情的慢歌，一种就是律动感很强的快歌。那往往快歌嗨歌都是很亢奋很躁动的感觉。抒情的曼哥呢更内敛更柔美一点。如果有个律动感很强的节奏，一二三四我唱我好伤心。嗯我好难过啊这就成无效表达了，听众并不会感觉到任何的悲伤得这样。啦啦啦啦啦啦。这就是。抒情的感觉和嗨的躁动的当然是不一样的。这个很明显。那嗨歌和抒情歌到底不同点在哪呢实很简单。嗨歌给听众留下的第一季一点是节奏，典型的嗨歌就是电音摇滚都是节奏导向的。
十几秒钟。这个音乐的旋律是什么、和弦是什么戏，细节是什么，几乎都是记不住的。记忆最深的就是一个律动感很强的一个节奏。咚咚咚咚咚咚咚。如果你想做一个欢快的歌曲，那往往都是以节奏为出发点去编曲的，从节奏的角度去融入独立乐思去强化你的节奏，最后形成标签式的记忆点。那这个音乐也就有情绪了，这就是节奏导向的情绪，这也就是欢快的情绪。那抒情歌曲的记忆点又在哪呢们来听一听。

这就是抒情歌曲，就是广义像咱们讲的慢歌，那其实这个慢它也是有节奏的。嘟嘟嘟，这也是有节奏的，咱们的记忆点根本就不在我打的牌子上，就在旋律上，在主旋律本身。这就是慢哥的记忆点。以欢快或者嗨为主基调的音乐要着重去刻画节奏，否则嗨不起来。刻画就是为了形成记忆点。抒情音乐你得使劲去刻画旋律，否则就抒情不了。

**入门篇第二节的时候咱们讲过了，音乐只能表达情绪，情绪不外乎两个大乏力，开心和悲伤，越去强调律动，就越往开心的这个方向走，越去抒情，就越往这个冷色调也就是悲伤这个方向去走。**如果你的音乐在节奏和旋律上都没有形成记忆点的话，听众是找不到情绪的，这是初学者为什么他的编曲那么不疼不痒的一种感觉，这是关键的症结所在。想解决，咱们继续往后听。以前有个小科班的学员跟我说老王有种风格叫做抒情摇滚，又抒情又摇滚。其实他是想说有些歌曲既悲伤又欢快，这个其实很好解释。比如有些形容情绪的词，其中一个是喜极而泣，这又哭又笑的。这是啥情绪然哭了，但是是喜悦造成的。喜极而泣的这个情绪里虽然是有一些小的伤感，但是大的情绪指向还是开心这个方向这样的。还有一个词叫乐极深悲，总体的情绪指向还是悲伤的。不知道大家有没有注意过，咱们的汉语言里边有相当丰富的形容各种情绪以及情绪程度的词，却没有一个完全没有任何情绪色彩的，哪怕是有些词很特别，比如不悲不喜。

这个词表面上看那不悲不喜就是没情绪。其实这个词我个人的感觉，我个人理解不悲不喜还是偏悲伤的，喜忧参半也好，悲喜交加也好，人的情绪永远不可能是一个正正好好的一个居中的状态，永远都是有偏向的，偏向悲或者偏向喜永远都不可能居中，自己去想想情绪是不是这么回事。**既然音乐只能表达情绪，情绪永远不可能居中，那么音乐也就永远不可能把悲和喜都给它关平了，也就是永远不可能既律动又煽情，抒情摇滚也好，或者流行摇滚也罢，这都是一个名词或者明天又创新出了一个新的名词，叫什么电音摇滚这种概念，只要是音乐总是要有一个大的基本的情绪指向，这个大的情绪指向是不可能模糊的。**咱们来先听听这个音乐。

像这首歌就更偏向节奏这个方向。我作为一个听众，我很有跟着这种摇头抖腿的感觉。那这就是节奏刻画到位了，形成记忆点了。这就是他说的抒情摇滚，名字无所谓。这个歌里边他也许是有些许无奈的，但是大的情绪指向一定是欢快的节奏导向。
音乐里可以在节奏感很强的歌里边掺杂一点抒情，但是大的方向还是节奏导向，也可以在抒情的音乐里边搞一点律动，但是大的方向一定还是抒情的。所以音乐里边可以表达很复杂的情绪，也可以表达很多的情绪。但是大的情绪指向一定是非黑即白，一定是不能兼得，更不能模糊的。要么是欢快的节奏向，要么是抒情的旋律向。由于这个认知不清，导致初学者的编曲没有侧重点。

你想想你喜欢的那些经典音乐，哪个是情绪指向不清晰的些悲伤的音乐难道不是让你感觉到悲伤无以复加吗些亢奋的音乐难道不是让你像嗨的像嗑了药一样的吗哪个音乐作品是当你听完之后感觉莫名其妙的这啥情绪有这样的音乐吗大的情绪指向不明，就相当于一个没有立场的人站起来说了一堆无关痛痒的话。那这就是废话。
罗大佑讲过，说我喜欢的风格有很多，但是能驾驭得了的很有限。初学者要先努力刻画一种情绪，不要贪多。当你把某一种情绪指向刻画得越来越到位之时，就会逐渐形成你自己的风格，然后再去兼顾大情绪指向之下的其他众多小情绪概念。讲完了然后进入实践。话说前段时间建党 100 周年，一个粉丝和我说想在学校的晚会上弹钢琴，改编一首老歌孟驼铃，想要那种特别安静的优美的浅音低唱高山流水的感觉。那这毫无疑问就是抒情，抒情就需要刻画旋律。咱们先来听听原版音乐是什么样子的/p>

首先我并不觉得这里哪有改变，我感觉都是完全一样的，旋律没有变，和弦没有变，节奏也没有变，就是换成了一架钢琴去演奏而已。作为听众，咱们能明显地感觉到这架钢琴如果去演奏这个歌的话，对比人家原版的那个音乐的表现力下降了很多，如果就这样去演出出的话，那大概率就是去丢人了。那问题出在哪了多人会认为原版音乐人家乐器那么多，我现在只有一架钢琴，那肢体就不够丰满了，所以表现力就不行。错，也会有人觉得钢琴不适合演奏这首歌更错。同样是这架钢琴，咱们再来听听这个版本，看看有没有表现出那种安静的潜营低唱的感觉来。
应该只听一小段。肯定有人会觉得老王你这是换了一个节奏型，他写的那个节奏型不好听，或者你会认为刚才那个节奏型不太适合这首歌，你这个节奏型更适合更加有表现力，关键点在于他那样去弹这首歌属于抒情和律动。两边不靠就是情绪指向不明，这是做音乐编曲的大忌。它这个节奏型就是用的原版的节奏型，原版是一个吉他弹的 53231323 的一个节奏型。你不能说这个节奏型就难听，节奏都是一样的，没有说哪个节奏型就是好的，哪个节奏型就是不好的。但是节奏必然是一个加起来等于 4 的等式，这是咱们上节课考虑问题的一个角度。但是想让英音乐抒情，想让音乐像水流一样的缓缓流淌，像风一样的婉转悠扬，像雨一样的润物无声的那种感觉。首先关键点就是不能太有节奏感。这个话怎么理解就是有没有就是没有什么叫不能太有。这个点很重要，必须搞清楚来源：明月常新